于家睿：致敬萨尔加多的《劳动者》

2019-3-26 10:52/ 发布者: answer/ 查看: 3057/ 评论: 0/原作者: 潘佳琪

　　中国纪实摄影的经典不会是我未来的创作方向，因为经典是无法复制的，我要跟着自己的心，去随心所欲拍摄自己认为重要的内容，让时间和历史给我一个定位。

——于家睿

　　2013年，他拍摄了《我的十二个学生》获得全球华人摄影传媒大奖金奖；2016年，他的个展《吸引》在第4届西双版纳国际影像展上展出；2018年，他在山西太原创办“一页睿界”艺术中心；近期，他创作的一组作品《劳动者》引发业界探讨。他就是影像界的科班生——于家睿。

我的十二个学生系列　　于家睿　摄

　　N0.1 您曾花了半年的时间在山村中拍摄《我的十二个学生》，您是怎么看待作品的厚度与时间的关系？

　　于：那次的拍摄是从晚冬跨越到初夏，很遗憾没能见到冬雪、雷雨和金秋。这些特别的天气变化可以给纪实摄影在叙事性之外增添些许观赏性，而且将完整记录四季，也能让中长期专题更加丰满。记得当时，我背着睡袋住在小学的办公室里，要说印象深刻的画面，应该就数蜘蛛钻进被窝、壁虎爬过饭盒、刷牙时看到蟾蜍吧。

　　拍摄这组作品最大的触动源自于孩子们的善良，正是因为他们的优秀和纯真，我愈发地心痛。山村教育的情况是最值得社会关注的，因为工资低、条件差，青年教师不愿意来此任教，甚至从本村走出去的大学生都不愿意回来。当时村小的三位老师都已年过六旬，月工资不足两千，孩子们一年级到三年级是小班，四年级到六年级是大班。

　　我目睹了种种的特殊情况，才想要通过影像的力量将此报道出来。作品面世一年之后，当地村小的许多现状得以改善，孩子们归并到县城上学，达到法定退休年龄的老师也已退休安享晚年。村小取消了，这让我在无奈之余感到一丝的慰藉。

我认为作品的厚度在于对精神的把握上，是明确自己要通过影像去讲明白什么，或者试图改变什么。时间的延长是为了补充和巩固，而不是通过拖延忽悠别人或者自我安慰，那样的“长期”就失去了意义。

我的十二个学生系列　　于家睿　摄

　　N0.2 有评论道“中国80后摄影师整体呈现一种远离社会，只关注内心风景的现状，影像呈现僵化的呆相”，您的作品多是偏向社会性纪实，您觉得在您的作品中是否寄予了内心情感？

　　于：我认为好的作品的情感都是丰沛的，差异是体现在情感的落脚点在哪儿。影像如人，也拥有“兼济天下”和“独善其身”的两面性。远离社会的内容放在影像艺术的语境里是没有问题的，因为艺术可以是自我的、小众的甚至莫名其妙的，而关注社会则是另一种选择。这些选择与个人的成长环境、原生家庭、受教育方式不无关系，这些因素也会成为你选择关注、拍摄什么题材的驱动力。社会纪实如果离开悲悯、批判和思辨，离开冷静的观看和感性的情怀，离开热血和灵光，又怎会促使你拍下那些认认真真的画面呢？

吸引系列　　于家睿　摄

　　N0.3 作为摄影专业的90后科班生，这些年，您是以什么样的方式进行自我革新的？

　　于：中国的摄影大家多是新闻行业的职业摄影师出身，由于上一辈人所处的时代受限，相机不能“飞入寻常百姓家”，岗位优势以及素养锤炼让他们成了“极少数人”。

　　作为摄影的科班生，我只能说科班的学习过程更加系统、更加全面。每一个阶段的学习都是从摄影史进入，从不同领域的大师和名作进入，优势是起点高、路子正，缺点是“眼高手低”，勤奋不足。

　　作品的生命力和活力是要靠持续的创新来维系的。有句耳熟能详的话是“批评与自我批评”，引申到摄影创作中来，就是摄影人应当有“革命与自我革命”的勇气。

　　学习通常有两种渠道：一种是师傅带徒弟，自古江湖上讲究师门师承、师出有名，学院里说的是师从哪个导师。江湖中更为苛刻些，一日为师，终身为父；学院派相对宽容些，开玩笑地说是“吃百家饭长大”的，因为上学是可以通过一切渠道求知的，平台开阔；另一种是团体采风模式，一群人的采风模式可以算是在交流互学，其实更像是锻炼身体，这样的学习方式可能缺少一些头绪。这些年，我会在一个阶段频繁参加艺术活动，然后在下一个阶段可能选择销声匿迹，之后再突然扔出一个新概念，我称之为“物极必反”，凡事到了极点，就面临转型或者升级。

　　N0.4 在互联网科技的进步下，我们的周遭充斥着碎片化的信息，艺术价值也多元化，雅俗并存，在这个复杂的环境里，您是如何过滤影像的？

　　于：这个问题通过长期的思考，我能够总结出三点：首先是尊重自己的视觉认知。艺术是自由的、独立的、个性化的一种选择。“我”喜欢什么很重要，这个“我”是一个大我的概念，也就是我们所谓的自主思考、选择的权利；其次是尊重知识、了解历史。我们可以从世界级大师和名作入手，因为每个时代所诞生的被社会、业界认可的经典之作实属凤毛麟角，观看“少数经验”肯定比碎片化信息要优质精良。相比互联网，我更喜欢针对性阅读原版画册，稍显昂贵的印刷品能够真正点燃你追求影像品质的热情；再次是要跳出摄影看摄影。研究社会学、人类学、哲学、文学而不是研究美学。或许会有人批判此话猖狂，搞艺术为什么不研究美学？我认为审美是一种本能，而不是强迫，如果非要去审自己不认可的美或者强行去审别人眼中的美，那是一件难过的事。

吸引系列　　于家睿　摄

　　N0.5 您的个展《吸引》的创作理念是什么？

　　于：《吸引》是在传达一种观念，要释放最直接的感受，甚至不需要思考。你看到一个画面想要记录下来是一种本能，因为画面吸引了你的眼睛，唤醒了你内心深处的某些潜意识。心若不动，眼见皆是虚妄，心动了，所见皆是风景。拍这组照片，我是在放任我的本能反应，记录下那些似曾相识或者相见恨晚的画面，这种下意识的感知是对自我觉醒的强调，你是什么样的心境，你的照片就会是什么样的气氛。就像我后来总结提出的视觉养成三个递进——“自由生长，随遇而安，审美觉醒”，你要拥有自己的“场”，一种磁场，一种气质。

劳动者系列　　于家睿　摄

　　N0.6 您近期的作品《劳动者》是在向萨尔加多的《劳动者》致敬吗？

　　于：我的《劳动者》是有观念致敬的成份，但是想要呈现出来的方方面面又是完全不同的。萨尔加多的《劳动者》是在1993年完成的，他说：“人类的体力劳动生产正在以惊人的速度消失，我们现在所拍摄的体力劳动照片，再过10年、15年就会变成历史的遗迹。”确实，画册里面震撼人心的宏大场景时至今日已难再现。当初他使用了“workers”作为题目，而我使用了“Labourers”这个单词，是为了消除汉语人群对于脑力劳动者概念上的混淆，我把劳动者更清晰地定义为“从事户外劳动的体力劳动者”。在那些胼手胝足的劳动者身上，可以看到巨大的忍耐力和不可蹂躏的尊严。这个日新月异的时代，他们身上的特质或许真的会变成一种记忆。

　　从2011年至今，我拍摄了大量的中国劳动者，试图采集更多的身份类型，基于但不止于工业、农业和第三产业。我没有把画面侧重于突出冲击力的特写，而是选择了跑远，我希望将人置身于他们所处的生存环境中，让画面呈现宏大的气氛，让空气流动起来，让人在环境面前显得渺小却不卑微，甚至有些原生的自在感。每一个劳动者代表的不是一个个体、一张脸、一个瞬间，而是一个群体样本在人类社会发展进程中的精神面貌和生存现状。